Painting 2.0: Expression in the Information Age について

Painting 2.0: Expression in the Information Age は、2015年11月14日〜2016年4月30日にミュンヘンの ブランドホルスト博物館（Museum Brandhorst）で開催された大規模な絵画展です。

その後、2016年6月4日〜11月6日にはウィーンの mumok に巡回しています。キュレーターは Manuela Ammer、Achim Hochdörfer、David Joselit、アシスタント・キュレーターがTonio Kröner。230点以上、107人のアーティストを扱いました。

そして重要なのが、この展覧会が単純に
「デジタル時代にも絵画は生き残っている」
という展覧会ではないことです。

むしろ主張はかなり積極的です。
「絵画は、情報技術によって変化した世界を、外部から眺めているのではない。絵画そのものが、その情報環境を吸収し、変形し、実践してきた」
という見方です。

「Painting 2.0」という名前がまず面白い

ここが最初のポイントです。「2.0」はもちろん Web 2.0 を意識しています。
Web 2.0という言葉は、単に「新しいWeb」という意味ではなく、

一方向的な情報 → 相互作用
消費者 → ユーザー
固定されたコンテンツ → 生成・共有されるコンテンツ
メディア → ネットワーク
という変化を指します。

そこで、この展覧会は問いを反転させます。
では、Painting 2.0とは何なのか？

絵画もまた、「完成した一枚の画像」から、他のメディア、画像、身体、ネットワーク、情報との関係を組み替える実践

になったのではないか。
というわけです。

重要なのは「デジタル絵画」の展覧会ではないこと

ここは非常に重要です。

普通なら「Painting and Technology」と聞くと、

・コンピューター
・デジタル画像
・Photoshop
・インターネット
・プロジェクション
・新しいメディア

などを想像します。
しかし Painting 2.0は、そこからかなり遡ります。

出発点は1960年代。

つまり、

Pop Art → mass media → television → advertising → photography → computers → Internet → Web 2.0 → social media → data

という長い歴史として絵画を捉え直します。
ここが非常に面白い。

つまり、「デジタル技術が登場してから絵画が変わった」のではない。
もっと早い段階から、絵画はすでに情報環境の変化に反応していた。
という歴史観です。

そして3つの大きな章に分けられる

展覧会／カタログの構造は、大きく3つです。

1. Gesture and Spectacle（身振り／ジェスチャーとスペクタクル）
2. Eccentric Figuration（偏心した／風変わりなフィギュレーション）
3. Social Networks（ソーシャル・ネットワーク）

この3つが、Painting 2.0の核心です。

① Gesture and Spectacle

最初のテーマは、かなり簡単に言えば、

「画像が氾濫する世界で、なぜ身体的な絵画表現が必要なのか？」

です。

テレビ、広告、映画、写真、印刷物などによって、私たちの周囲には大量の画像が流れ始めました。

Guy Debordの1967年の『スペクタクルの社会』も重要な背景になります。

そこで絵画は、

既成のイメージをそのまま再生するのではなく、筆跡・身体・素材・身振りを使って、情報を再び身体的なものへ戻す。

という役割を持つ。

Museum Brandhorst自身も、expressive gesture（表現豊かなジェスチャー）を、情報時代の仮想世界を人間の身体という物質的領域へ再統合するための方法として説明しています。

ここには、

・Philip Guston
・Nicole Eisenman
・Kai Althoff
・Cy Twombly
・Joan Mitchell

などが入ってきます。

つまり、「抽象表現主義的なジェスチャーは古い」ではなく、
画像・メディアが増殖した世界だからこそ、身体による痕跡が別の意味を持つ
という読み替えです。

② Eccentric Figuration

ここがかなり面白いです。

「Eccentric」は「中心から外れた」。
つまり、
中心的な主体・人物・身体を描くことから、少しずれた身体表現
です。

この章では、絵画に現れる人物や身体が、従来の「人間像」として安定していない。

むしろ、

変形する
崩れる
奇妙になる
メディア画像のようになる
漫画的になる
身体とイメージの境界が曖昧になる

といった方向に進みます。

ここには Nicole Eisenman、Maria Lassnig、Mike Kelley、Martin Kippenberger、Jutta Koether、Josh Smith など、多くの作家が関係します。

つまり、
「身体を見る」という問題が、
「メディアによってすでに加工された身体を見る」
という問題になってくる。

③ Social Networks

そして最後が非常に重要です。

ここでいうSocial Networksは、FacebookやInstagramだけを指していません。

もっと広い意味で、
人間、画像、作品、メディア、資本、情報がネットワーク化されている状態
です。
ここで、

Andy Warhol
Sigmar Polke
Gerhard Richter
Konrad Lueg
Manfred Kuttner
Seth Price
R.H. Quaytman

などが同じ歴史の中に置かれます。特に面白いのは、WarholのFactoryから現代の「network painting」までを一本につなげてしまうこと。

つまり、
「ネットワーク社会になったから、ネットワークを描く絵画が登場した」
ではありません。

むしろ、
絵画そのものが、以前からネットワーク的な構造を持っていたのではないか？

という問いです。

ここでDavid Joselitが重要

この展覧会を理解するうえで、この展覧会のキュレーターのDavid Joselitはかなり重要です。

彼は「絵画とは何か」を、

painting = image on canvas

として考えるのではなく、

画像がどのように流通し、接続され、再配置されるかという観点から考えています。
これは非常に重要な転換です。

たとえば、
Warholの絵画を見るだけなら、
「この絵は何を表しているのか？」
と考えます。

しかしJoselit的な方向では、
この画像はどこから来たのか？
どのようなメディアを通ってきたのか？
別の画像とどう接続されるのか？

絵画になったことで、そのネットワークはどう変化したのか？
と考える。

つまり、絵画を「物」ではなく「ネットワーク上の作用」として考える方向へ進みます。

さらに面白いのは「アナログ vs デジタル」を否定していること

この本の大きな特徴です。

一般的には、
デジタル時代
　↓
絵画はアナログだから古い
　↓
でも絵画には人間らしさがある

という説明になりがちです。
Painting 2.0は、そこを否定します。

そうではなく、

analog / digital
human / technological
body / information

は、そもそも対立していない。

絵画はその境界面で活動してきた、と考える。

Museum Brandhorstも、この本について「digitalとanalog、人間とtechnologyという想定された対立を再考する」と明確に説明しています。

カタログ自体もかなり重要

これは単なる展覧会図録ではありません。

英語版はPrestelから刊行され、約288ページ、350点の図版を収録しています。
編集はAmmer、Hochdörfer、Joselit。

主要論文は、
Achim Hochdörfer — Gesture and Spectacle: How the World Came In
Manuela Ammer — Eccentric Figuration: “How’s My Painting?”
David Joselit — Social Networks: Reassembling Painting
です。

さらに、

Lynne Cooke
Isabelle Graw
John Kelsey
Wolfram Pichler
Kerstin Stakemeier

などのテキストも収録されています。

【公式サイトより】
近年の絵画への関心の高まりと新たなデジタルメディアの普及を考察する本書は、豊富な図版を用いて、絵画と情報技術の複雑な関係性を描き出しています。インターネット誕生のはるか以前の20世紀半ばから始まる本書は、絵画の正当性が問われる一方で、他のメディアを吸収し変容させる絵画の能力をたどります。

ジグマー・ポルケからニコール・アイゼンマン、サイ・トゥオンブリーからエイミー・シルマンまで、数多くの著名なアーティストの作品を取り上げ、人間の経験や知覚に関連するデジタル技術に絵画がどのように向き合ってきたかを考察し、この分野で影響力のある思想家による3つの詳細なエッセイと追加のテキストを収録しています。

包括的で豊富な図版を掲載した本書は、デジタルとアナログ、人間とテクノロジーという既成概念の対立を再考する幅広い作品を紹介し、絵画が新たなメディアを表現し、さらには実現する手段として機能してきたと主張しています。本書は、デジタル世界にあっても絵画という表現媒体が今なお活力を持ち続けていることを改めて示している。
https://www.museum-brandhorst.de/en/publications/painting-2-0-expression-in-the-information-age/

デイヴィッド・ジョーズリット

デビッド・ジョセリット（デヴィッド・ジョゼリットとも、英: David Joselit）は、アメリカの美術史家、批評家、キュレーターであり、近代および現代美術、メディア理論、画像の流通に関する研究で知られている。ジョセリットは、ハーバード大学でアーサー・キングスリー・ポーター芸術・映画・視覚研究教授である。

ニューヨーク市立大学大学院センターで特別教授を務め、イェール大学ではカーネギー教授および美術史学科の学科長を務めた。ジョセリットは、ボストンの現代美術研究所でキュレーターとしてキャリアを始め、その後、『Infinite Regress: Marcel Duchamp 1910–1941』（1998年）、『American Art Since 1945』（2003年）、『Feedback: Television Against Democracy』（2007年）、『After Art』（2012年）、『Heritage and Debt: Art in Globalization』（2020年、ロバート・マザーウェル図書賞を受賞）、『Art’s Properties』（2023年）など、広く引用される複数の著書を執筆した。彼は『October』誌の編集者であり、『Artforum』に頻繁に寄稿している。
Wikipedia

展覧会について

Painting 2.0: Expression in the Information Age
期間：2015年11月14日 それまで 2016年4月30日
キュレーション：アヒム・ホッホドルファー、デヴィッド・ホセリット、マヌエラ・アンマー、トニオ・クローナー

近年の現代絵画への関心の高まりは、新たなデジタルメディアとテクノロジーの爆発的な発展と時を同じくしている。媒体固有性を前提とした従来の解釈とは異なり、1960年代以降の絵画の最先端は、同時代のマスメディアや文化との建設的な摩擦の中で発展してきた。

テレビやコンピューターの台頭からインターネット革命に至るまで、絵画はまさにその「終焉」の原因とされた文化的・技術的発展を吸収してきた。「キャンバスに油彩」という技術的な定義をはるかに超え、情報化時代の絵画は、メディアを介した生活世界の課題を考察する場を一貫して提供してきたのである。

「ペインティング2.0：情報化時代の表現」展は、1960年代以降の西ヨーロッパとアメリカにおける絵画の情報技術への適応、吸収、そして変容の歴史を語る初の展覧会となる。その歴史的出発点は、ポップアートとヌーヴォー・レアリスムによる商業イメージの体系的な流用と再文脈化であり、これはデジタル化とインターネットの出現より約30年も前のことである。

絵画が他のメディアを吸収し変容させる能力が明確になったのは、ギー・ドゥボールが影響力のある批評の中で「スペクタクルの社会」（1967年）として理論化した文化的媒介形態によって、絵画の正当性が根本的に問われたのと同時期であった。

絵画とスペクタクルの出会いにおける中心的な戦術は、絵画的な「表現」の活用である。「Painting 2.0」では、1960年代以降、表現的なジェスチャーが情報化時代の仮想世界を人間の身体という物質的な領域に再統合する手段として機能し、人間とテクノロジー、アナログとデジタルの間の緊張した境界を示してきたことを明らかにします。

「Painting 2.0」は、インタラクティブなWeb 2.0、そのソーシャルメディア、データクラウドなど、現代を特徴づける遍在するデジタル形式に至るまで、絵画とスペクタクルの多面的な歴史をたどります。

「ペインティング2.0」展は、サイ・トゥオンブリーの「レパント」シリーズのために特別に作られた上階ギャラリーを除く、ブランホルスト美術館の全フロアを占有します。これは、2009年の開館以来、美術館が企画する最大規模かつ最も意欲的な企画展です。美術館の各フロアをそれぞれ占める3つの相互に関連するセクションで、1960年以降の絵画の発展における3つの重要な流れをたどります。

「ジェスチャーとスペクタクル」展は、スペクタクルに対抗したり、スペクタクルを「人間化」するために、ジェスチャー技法がどのように活用されてきたかを概観する。ニキ・ド・サンファルの「シューティング・ピクチャーズ」や、ミモ・ロテッラ、ジャック・ヴィルグレ、レイモン・アンといった「アフィシスト」による破れた看板広告から、キース・ヘリングの「サブウェイ・ドローイング」、アルベルト・オーレンのコンピューター絵画、モニカ・ベアの紙幣や硬貨を用いた抽象画など、スペクタクルの論理を批判的に模倣する絵画的手法に至るまで、絵画的な痕跡を攻撃し、商業メディアのスペクタクルな形態を弱体化させる手段として用いた作品を紹介する。

「エキセントリック・フィギュレーション」展は、メディアやスペクタクルの影響を受けた絵画における身体の多様な美的表現を結集させた展覧会です。この展覧会に出品されたアーティストたちは、身体性を強く意識し、模倣を駆使した表現を試みています。その表現形式は、文字通りの具象表現から、絵具という素材を通して身体を抽象的に表現する本能的な手法まで多岐にわたります。マリア・ラスニグとリー・ロザノの作品に見られる「義肢のような身体」、サイ・トゥオンブリーとエイミー・シルマンの「エキセントリックな」描画、ウィリアム・L・コプリーとニコール・アイゼンマンの漫画的な誇張表現、フィリップ・ガストンとカイ・アルトホフの作品に見られる反英雄的な身体――これらはすべて、20世紀半ば以降の身体、メディアイメージ、そして新技術の複雑な絡み合いを物語っています。

「ソーシャル・ネットワークス」展は、絵画がキャンバス上のイメージの動員とアーティストの生活世界の表現の両面を通して、「ネットワーク社会」をどのように表現しているかに焦点を当てています。アンディ・ウォーホルの「ファクトリー」、ジグマー・ポルケ、ゲルハルト・リヒター、コンラート・リューグ、マンフレート・クットナーによるいわゆる資本主義リアリズム、そしてニューヨークのAIRギャラリーのフェミニスト・アーティストたちが、セス・プライスやRH・クエイトマンなど、「ネットワーク絵画」と呼ばれることもある現代アーティストの作品とともに展示されます。

107名のアーティストによる230点以上の作品を展示する「ペインティング2.0」は、近年、ドイツ国内だけでなく世界的に見ても、主要美術館で開催された現代絵画展としては最大規模かつ最も包括的な展覧会の1つである。

参加アーティスト

カイ・アルトホフ、荒川英／南川志門、モニカ・ベア、ナイリー・バグラミアン、ゲオルク・バゼリッツ、ジャン＝ミシェル・バスキア、リンダ・ベングリス、サディ・ベニング、ジュディス・バーンスタイン、ヨーゼフ・ボイス、アシュリー・ビッカートン、コジマ・フォン・ボニン、KAYA（デボ・アイラーズ＆ケルスティン・ブレッチュ）、ギュンター・ブルース、ダニエル・ビュレン、マーリン・カーペンター、レイディ・チャーチマン、ウィリアム・コプリー、ルネ・ダニエルズ、ギー・ドゥボール／アスガー・ヨルン、キャロル・ダナム、メアリー・ベス・エデルソン、トーマス・エッゲラー、ミヒャエラ・アイヒヴァルト、ニコール・アイゼンマン、ヤナ・オイラー、ルイーズ・フィッシュマン、アンドレア・フレイザー、イザ・ゲンツケン、メアリー・グリゴリアディス、フィリップ・ガストン、ウェイド・ガイトン、レイモンド・ヘインズ、ハーモニー・ハモンド、デイビッド・ハモンズ、キース・ヘリング、レイチェル・ハリソン、メアリーハイルマン、エヴァ・ヘッセ、シャルリーヌ・フォン・ハイル、ウル・ホーン、ジャクリーン・ハンフリーズ、ヨルク・インメンドルフ、ジャスパー・ジョーンズ、ジョアン・ジョナス、マイク・ケリー、マーティン・キッペンバーガー、イヴ・クライン、ユッタ・ケーテル、マイケル・クレバー、マンフレッド・カットナー、マリア・ラスニッヒ、シェリー・レヴィン、グレン・ライゴン、リー・ロザーノ、コンラッドルーグ、ミシェル・マジェラス、ピエロ・マンゾーニ、ケリー・ジェームズ・マーシャル、ハンス＝イェルク・メイヤー、ジョン・ミラー、ジョアン・ミッチェル、リー・モートン、ウルリケ・ミュラー、マット・マリカン、エリザベス・マレー、キャディ・ノーランド、ヒルカ・ノルトハウゼン、アルバート・オーレン、ローラ・オーエンズ、スティーヴン・パリノ、エド・パスシュケ、ハワルデナ・ピンデル、シグマー・ポルケ、セス・プライス、スティーブン・プリナ、RHクエイトマン、ロバート・ラウシェンバーグ、デヴィッド・リード、ゲルハルト・リヒター、ミンモ・ロテラ、ニキ・デ・サンファル、マリオ・シファノ、エイミー・シルマン、シルヴィア・スレイ、ジョシュ・スミス、ジョーン・スナイダー、リーナ・スポーリングス、ナンシー・スペロ、グループ・シュパー、フランク・ステラ、ウォルター・スウェネン、ポール・テーク、ローズマリー・トロッケル、サイ・トゥオンブリー、ジャック・ドゥ・ラヴィレグレ、ケリー・ウォーカー、アンディ・ウォーホル、スー・ウィリアムズ、カール・ヴィルサム、マーティン・ウォン、クリストファー・ウール、ヘイモ・ツォベルニヒ、ua

「Painting 2.0: Expression in the Information Age」展には、Prestel社から出版される、包括的で図版豊富なカタログ（ISBN: 978-3-7913-549-7、美術館から直接購入可能、価格39.95ユーロ）が付属します。

このカタログは320ページ、350点のフルカラー図版を収録し、キュレーターのアヒム・ホッホドルファー、デイヴィッド・ジョゼリット、マヌエラ・アマーによる、展覧会の3つのセクションを解説する充実した歴史的エッセイに加え、リン・クック、イザベル・グロー、ジョン・ケルシー、トニオ・クローナー、ヴォルフラム・ピヒラー、ケルスティン・スタケマイヤーなど、絵画の近年の発展について影響力のある思想家による短い論考も掲載されています。

キュレーター: アヒム・ホッホドルファー、デヴィッド・ホセリット、マヌエラ・アンマー
アシスタントキュレーター: トニオ・クローナー

「Painting 2.0: Expression in the Information Age」は、ルートヴィヒ・ウィーン現代美術館のmumokとの協力によるものです。

参考

Painting 2.0: Expression in the Information Age (Museum Brandhorst)
https://www.artforum.com/events/painting-2-0-expression-in-the-information-age-2-219187/
https://www.frieze.com/article/different-strokes-1