2015年にイギリスのTate Modernで開催されたPainting After Technologyについての調査資料、備忘録になります。
Painting After Technology at vimeo
※以下、AIによる「Painting After Technology」いついての解説文章です。ご注意ください。文中の「僕」はAIが自分自身を「僕」と言っています。
Painting After Technology は、2015年にイギリスのTate Modernで開催された、Mark Godfrey（マーク・ゴドフリー）による展示です。
大きなテーマは、デジタル技術が普及したあと、絵画はどうなったのか？というもの。
ただし、「コンピューターを使って絵を描くようになった」という単純な話ではありません。
むしろ、コピー、スキャン、Photoshop、iPad、スマートフォン、スクリーンなどによって、そもそも「画像を見る／作る」という行為そのものが変わったとき、絵画には何が残るのかという問いです。
【主な展示された作家】
Sigmar Polke
Albert Oehlen
Tomma Abts
Christopher Wool
Amy Sillman
Charline von Heyl
Laura Owens
Jacqueline Humphries
面白いのは「テクノロジーを使った絵画」ではないこと
ここが、この展覧会の重要なところだと思います。
たとえば、デジタル技術を使って、
写真 → Photoshop → プリント → キャンバス
という制作をしたから「Painting After Technology」なのではありません。
むしろ展示では、
デジタル環境によって生まれた「画像の見え方」そのものが、絵画の中に入り込んでいる
と考えられています。
たとえば、
画像の拡大・縮小
コピー
レイヤー
切り貼り
スキャン
色のずれ
印刷時のエラー
解像度
画像の反復
画面上では成立するけれど、物質としては奇妙な形
などです。
つまり、Photoshopのようなソフトウェアが持っている「画像についての考え方」が、絵画の構造に入り込んでくる。
Laura Owens自身も、コンピューターの画像編集ソフトにおける「layers（レイヤー）」の考え方と、自分の絵画制作との関係について話しています。
そして「エラー」が重要
個人的には、ここが展覧会の核心に近いと思います。
Tateの展示について紹介された文章では、作家たちはテクノロジーそのものを単純に肯定するのではなく、
errors, glitches and misregistrations
つまり、
エラー、グリッチ、位置合わせのずれに関心を持っている、と説明されています。
これはかなり面白い。
デジタル画像は、一見すると非常に正確です。
コピーしてもコピー元とほとんど同じ。
色も数値化される。
画像はピクセルに分解される。
位置も座標で指定できる。
ところが実際には、
スキャンすると少しずれる。
印刷するとずれる。
画像を変換すると崩れる。
画面と現実では違って見える。
そうした「完全には一致しない部分」が出てくる。
そして、そのズレそのものを絵画に取り込む。
だから「Painting After Technology」は、実は「絵画 vs テクノロジー」ではない
ここは誤解されやすいところです。
「デジタル時代になった。でも絵画は生き残っている」
という話ではありません。
もっと面白くて、私たちが画像を見る方法そのものが変わった。
その変化を経験したあとで、絵画を見ると、絵画そのものも以前とは違って見える。
という話です。
つまり、
Technology → Painting
という一方向の影響ではなく、
Technology → Image → Perception → Painting
という関係になっている。
「スクリーン」と「絵画」の違い
もう一つ、この展示で重要なのが見る時間です。
スマートフォンやPCでは、画像は基本的に、次から次へと流れていくものです。
InstagramでもWebでも、画像はスクロールによって消えていく。
ところが絵画は、目の前に物質として存在している。
だから、「スクリーン上の画像を見ること」と「絵画を見ること」では、同じ「画像を見る」という行為でも時間の質が違う。
この展覧会についての批評でも、デジタル環境によって、絵画を見る際の「より遅い注意や知覚」のあり方が改めて問題になったと指摘されています。
そして、ここがかなり重要
僕はこの展覧会を、「テクノロジーによって絵画が変わった展覧会」というより、
「テクノロジーによって、私たちが“画像とは何か”を意識するようになったとき、絵画を見ることも変わってしまった」という展覧会として捉えると面白いと思います。
だから、あなたが以前書いていた「認識の中では、実際には大量の情報が省略されている」という話とも接続できます。
デジタル画像も、現実そのものではない。
現実 → 写真 → デジタル画像 → スクリーン → 私たちの認識
という何段階もの変換を経ています。
そして絵画は、その「変換された画像」をさらに別の物質へ戻している。
このあたりまで掘ると、Painting After Technologyは「絵画についての展覧会」というより、「画像と認識についての展覧会」としてかなり面白く見えてきます。
参考文献
Painting after technology: Hal Foster and Mark Godfrey in conversation
Laura Owens
https://catrionajeffries.com/assets/artists/brewer-rebecca/Andrew-Witt_Painting-and-Obstinacy_Peripheral-Review_9-May-2018.pdf
https://www.slideshare.net/slideshow/painting-after-technology/49142696?utm_source=chatgpt.com#1
Painting after technology / from slideshare
この文書は、テート・モダンで開催される展覧会「テクノロジー後の絵画」に関する背景情報を提供するものです。
本展では、過去10年間に制作された絵画作品を集め、急激な技術革新の時代における描画表現について考察しています。
多くのアーティストは、スクリーンが人々の注意やスケールに影響を与える世界を模索しています。彼らは抽象表現主義などの伝統に則って制作活動を行ったり、あるいはそれに反抗したりしています。本展には、ジグマー・ポルケ、アルベルト・オーレン、トマ・アブツ、クリストファー・ウール、エイミー・シルマン、シャーリーン・フォン・ヘイル、ローラ・オーウェンズ、ジャクリーン・ハンフリーズらの作品が展示されます。
マーク・ゴッドフリーがキュレーションを担当し、ニューヨーク、ロサンゼルス、ドイツのアーティストたちが探求する絵画とテクノロジーに関する対話を考察します。
本展示では、急激な技術革新の時代における「マーク・メイキング（痕跡を残すこと）」のプロセスを考察した、過去10年ほどの絵画作品を厳選して集めています。
デジタル技術は、画像が作成、複製、改変、配信される方法を一変させました。コピー機やスキャナー、iPadやPhotoshopといったツールは、画家たちに様々な新しい可能性をもたらしました。しかし、この展示室のアーティストたちは、単にそうした技術を称賛するのではなく、そこから生じるエラー、グリッチ、版ズレ（ミスレジストレーション）にしばしば関心を寄せています。
今日の画家たちは、公私の空間に広がる広告スクリーンや、携帯通信機器の至る所に存在する光が、私たちのスケール感や注意力（アテンション・スパン）に影響を与える世界と折り合いをつけています。パソコンやタブレットの画面に重なるウィンドウで情報を受け取ることに慣れてしまった私たちは、絵画の上の物質の重なり（レイヤー）をどのように味わうことができるのでしょうか？
また、これらのアーティストの多くは、抽象画の確立された伝統の内部で、あるいはそれに抗って制作することにも関心を抱いています。抽象表現主義は、多くの場合、英雄的な男性画家と結び付けられ、その筆致（ブラッシュストローク）の全てが彼の感情の痕跡であるとされてきました。
この物語（ナラティブ）が疑われるようになったとき、身振り（ジェスチャー）による絵画はどのように追求されるのでしょうか？ 何人かの女性アーティストたちが、ジェスチャーに関する新たな問いを投げかけています。
もしジェスチャーが通常、表現力豊かなアーティストに帰属するものであったとしたら、ジェスチャーは偽造できるのか、あるいは誰のものとも特定できないものになり得るのでしょうか？
またアーティストたちは、他にどのような抽象絵画のモデルを引き出すことができるかを問い、絵画の歴史を振り返ることで、流行遅れとなったアーティストと結びつけられるようなマーク・メイキングのプロセスを再発見しようとしています。
本展示のアーティストの多くは互いをよく知っており、この作品選定は、主にニューヨーク、ロサンゼルス、ラインラントで繰り広げられている、今日の絵画をめぐる緊急の対話のひとつを反映しています。
キュレーション：マーク・ゴドフリー
テクノロジー以後の絵画 – テート・モダン (Painting After Technology – Tate Modern)
ジグマー・ポルケ、アルバート・オーレン、トマ・アブツ、クリストファー・ウール、エイミー・シルマン、シャルリーヌ・フォン・ハイル、ローラ・オーエンズ、ジャクリーン・ハンフリーズ。
マーク・ゴドフリー
シニア・キュレーター、インターナショナル・アート（ヨーロッパ・アメリカ担当）
マーク・ゴドフリーは、展覧会、作品収集（アクイジション）、および展示の業務に携わっています。彼はこれまでに、アメリカ、ドイツ、イギリス、メキシコ、イタリアのアーティストによる主要な展覧会をキュレーションしてきました。
これには、『Roni Horn a.k.a. Roni Horn』（2009年）、『Francis Alÿs: A Story of Deception』（2010年）、『Gerhard Richter: Panorama』（2011年）、『Alighiero Boetti: Game Plan』（2012年）、『Richard Hamilton』（2014年）、『Alibis: Sigmar Polke 1963–2010』（2014年）などが含まれます。また、テート・モダンの「エネルギーとプロセス（Energy and Process）」ウィングにおける多くの展示や、オマー・ファストとベリル・コロットのビデオ・インスタレーションの展示も手がけています。
ゲルハルト・リヒター、エミリオ・プリーニ、ピノ・パスカーリ、ジグマー・ポルケといったヨーロッパのアーティストによる主要作品の収集にも関わっており、テートがアメリカやカナダのアーティストの作品を収集するのを支援する40〜50人のパトロンで構成される「北米作品収集委員会（North American Acquisitions Committee）」のキュレーターも務めています。
マーク・ゴドフリーの主な研究対象は、1945年以降のアートです。彼の博士論文であり著書でもある『Abstraction and the Holocaust（抽象とホロコースト）』（2007年）では、アメリカの抽象芸術とホロコーストの記憶との関係を考察しており、このテーマは近年、ドイツのアーティストであるゲルハルト・リヒターやジグマー・ポルケに関するエッセイにおいてさらに深く追求されています。
抽象芸術は現在も彼の研究分野のひとつであり、最近の関心は、公民権運動時代の抽象芸術をめぐる議論や、現代の抽象絵画とテクノロジーの変化との関係に向けられています。
これと並行して、コンセプチュアル・アート以降の写真、映画、ビデオをめぐる議論にも関心を持っています。
こうした関心は、クリストファー・ウィリアムズ、R.H.クエイトマン、ゾーイ・レナード、フランシス・アリス、ジェームス・ウェリング、サイモン・スターリング、フィッシュリ＆ヴァイス、タシタ・ディーン、マシュー・バッキンガム、シャロン・ロックハート、フランシス・スタークといったアーティストに関する広範な執筆活動やキュレーション・プロジェクトへと結びついています。
Mark Godfrey (curator)
マーク・ベンジャミン・ゴッドフリーは、イギリスの美術史家、評論家、キュレーターである。2007年から2021年までテート・モダンでキュレーターを務めた。
https://en.wikipedia.org/wiki/Mark_Godfrey_(curator)
最終更新日：